C’est de la part d’un photographe que j’ai entendu dire qu’il n’y avait pas besoin d’être trop préoccupé par l’art. Il est vrai que si l’on part de là où nous en sommes et que l’on se concentre sur les fondamentaux, le processus extraira l’art qui est en nous. Si, d’autre part, l’on se concentre sur ce que l’on considère comme étant de l’art, la motivation risque bien d’être intéressée. La meilleure façon d’aborder la peinture autant que la photographie ( il en est de même d’ailleurs de toute créative poursuite ) est l’humilité. La récompense reçue par cette manière de garder les choses simples est un renouvellement des choses qui en nous sont essentielles : la vérité, la beauté, la profondeur du sentiment et des plaisirs esthétiques dans tous les importants domaines de notre vie (la porte ouverte de chaque conscience).

Version en anglais : Painting : The essentials

L’expérience de la Vie Visuelle se distille en une sorte d’essence à un certain point de son processus. Il reste quelque chose : certes pas une réflexion mentale mais la mémoire de ce qui a été vu ou le lien entre tout ce qui est maintenant du passé.

Par chance, la perception d’une sensation de rayonnement et de chaleur survient de temps en temps au cours d’une vie. Le temps s’arrête et l’Univers tout entier nous chante un chant merveilleux. Le temps passe. La plupart du rayonnement diminue. Mais l’émerveillement de l’essence qui en reste peut durer toute une vie.

Ces expériences, les expériences visuelles tout comme les expériences de moments magiques sont je le pense de même nature. la plupart d’entre nous les ont. Certains d’entre nous y attachent beaucoup d’importance. Beaucoup d’autres ne s’en rendent simplement pas compte. Quelqu’un a dit récemment qu’un monde sans Art ressemblerait à un parking. C’est tout à fait vrai. J’ajouterai à cela que la vie sans l’âme de l’expérience serait comme le ciment qui recouvre le sol de ce parking.

Tout ce que je viens de dire provient des réflexions que j’ai eues après une conversation téléphonique avec un très bon ami cette nuit. Nous avons parlé de la compréhesion de la vie, de la santé, de la vente d’un appartement, des relations humaines, de l’accent porté sur les techniques aujourd’hui en peinture, de l’amitié et bien d’autre choses encore. Vous vous demandez pourquoi je parle de manière si décousue ? J’ai peur que je doive vous répondre avec une question : « Est-ce que vous liriez cet article si c’était un poème » ? Il me semble que les choses étaient bien différentes du temps où la poésie faisait partie intégrante de nos vies. Les mots avaient un sens plus profond, Les peintures et les photographies avaient un sens plus profond. Nos vies avaient un sens plus profond. Le monde n’était pas en train de devenir un vaste parking.

Récupérer les mots utilisés tous les jours dans la rue pour fabriquer ce ciment est important, n’est-ce pas?

Version en anglais : Wonderful Experiences in the Mind Eyes

Ce n’est pas mon intention de poser une question rhétorique. Mais à la question apparemment inévitable : « Que faites-vous ? » (hé oui, aussi en France!) ma réponse est désormais : « je suis peintre mais aussi photographe ». Aussi je pense que la vraie question est plutôt : « Peut-on aujourd’hui être un généraliste ? » Je vais revenir un peu en arrière dans le temps, disons environ 50 ans plus tôt. A cette époque je consacrais la majorité de mon effort créatif dans la compréhension et la pratique de la peinture. Il est certain que je passais le plus de temps à comprendre : beaucoup d’étude et de réflexion. Quand je trouvais clarté et limpidité, le fait de peindre était relativement facile. Ceci bien entendu après des années passées à étudier et à comprendre comment les pigments se comportent sur les divers médiums etc. Cependant les doutes ont persisté avec chaque effort. La peinture est de nos jours vraiment très difficile si vous l’abordez consciencieusement et sincèrement. Quant-à la photographie, elle a été pour moi comme un souffle d’air frais. Elle est devenue peut-être une réponse créative depuis un temps relativement très court : le temps d’un simple clignement de paupière par rapport à la période de l’histoire. Elle s’adresse directement au monde contemporain. En fait, elle a été inventée tout juste hier: il y a un peu plus de 150 ans. Et nous avons des peintures rupestres qui sont datées d’il y a environ 30000 ans. En l’occurrence, on ne parle pas de la même chose.

Et pourtant j’ai du faire face à des attitudes agressives parce que je transportais un appareil photo. Cela est arrivé en France de la part de personnes qui me connaissaient en tant que peintre. Dire que l’on ne doit pas s’occuper de ce que les autres pensent n’est pas une solution viable. On ne vit pas dans un désert. On doit, à un certain point se poser des questions à ce sujet.

Je vais encore aller en arrière dans le temps de quelques années cette fois. Au milieu des années 90, marchant au bord d’un lac près de Lausanne, je rencontrais un couple d’américains. L’homme était un professeur d’art dans une université importante de l’état de New York. Au cours de notre conversation, il me dit qu’il croyait que je pourrais être accepté en France en tant que photographe mais que ce serait vraiment très difficile en tant que peintre. Je me suis souvent demandé comment il était arrivé à cette conclusion. Laissez moi affirmer catégoriquement que je ne pense pas qu’être un américain en France ait directement quelque chose à voir avec le niveau de ma reconnaissance. Cependant je me pose la question de savoir si mon intérêt pour la photographie a compromis ma peinture. Il y a toujours cet élément de doute persistant qui a hanté les peintres depuis au moins une centaine d’années. On sait bien qu’immédiatement après l’invention de la photographie, les peintres ont commencé à l’utiliser comme outil. Courbet l’a beaucoup utilisée et les impressionnistes ont été influencés par la photographie. Non seulement la photographie a-t-elle été utilisée alors comme outil mais elle a modelé leur approche et leurs théories au sujet de la peinture. Il n’est pas invraisemblable de dire que le monde de la peinture n’a plus jamais été le même depuis lors. On pourrait remonter plus loin et considérer comment l’art tout entier a changé après la révolution mais cela serait bien au delà de ce que je veux dire.

Revenons à mon cas personnel et à ma question de départ : une personne peut-elle être à la fois peintre et photographe ? ( Plutôt que d’essayer comme je le fais souvent de répondre à mes propres questions, je préfèrerais connaître votre pensée à ce sujet.)

En tout cas j’ai le projet de commencer un blog sur ma photographie, ceci dans un avenir pas trop lointain. J’admets bien volontiers que mon intérêt pour la photographie a influencé ma peinture. Cependant je n’ai jamais éprouvé le besoin ou le désir de l’utiliser comme un outil ou de faire une peinture fondée sur une photographie particulière. Pourquoi cela ? La peinture en tant que telle est bien plus amusante. Peindre à partir d’une photographie ressemble trop à un travail d’assemblage.

A vrai dire j’ai passé très peu de temps avec la photographie durant ces 20 dernières années. Jusqu’au début des années 90 j’ai eu beaucoup de joie à développer mes photographies en noir et blanc. J’ai même été jusqu’à emmener avec moi et voyager avec une chambre noire transportable. ( J’étais vraiment mobile – ce que vous pourriez en quelque sorte appeler un nomade durant quelques années.) Je montais ma chambre noire quelque soit l’endroit où je me trouvais. Déménager en France a marqué la fin de cette habitude.

Tout doucement, ces dernières années je me suis impliqué dans la photographie digitale. J’ai acheté un Canon 10 D en 2003. Plus de produits chimiques ! Et en comparaison, la liberté de création est incroyable. J’y prends beaucoup de plaisir. Après avoir joué avec Photoshop et Lightroom depuis leurs débuts, je commence à être « sérieux » à leur sujet.

A part cela, nous allons changer de maison. Après 15 ans passés au même endroit, il devient temps de changer d’horizon. Nous allons en Bourgogne. Françoise tout comme moi avons passé nos jeunes années dans un cadre rural, aussi il s’agit en quelque sorte d’un retour aux sources : un village de 200 habitants : calme, paix et sérénité.

Version en anglais : Can a Painter also be a Photographer?

Quand cet aspect des choses commença à changer rapidement, un déménagement s’imposa. La Côte Est était hors de question. Il n’y avait beaucoup d’eau qu’à l’ouest. J’ai déménagé vers le nord. Une vie presque nomadique qui s’arrêta avec mon arrivée en France il y a 16 ans suivit. Une fois de plus il est maintenant temps de déménager. Espérons que cela sera la dernière fois.

Mes années de formation se sont passées dans la campagne du nord est de la Californie près des montagnes de la Sierra Nevada. J’attends avec impatience de vivre dans un petit village français. Il s’agit en quelque sorte d’un retour aux sources.

Version en anglais : The Pioneer Spirit of Art

D’accord, je commence à ronchonner. Je sais bien que cette situation n’est pas nouvelle. Depuis Platon l’artiste, le peintre a joué un rôle marginal. Mais au moins il avait un certain rôle en tant que marginal. Même considéré comme un artisan, il avait un rôle dans la société, et sans doute un rôle beaucoup plus sain que celui d’exclu.

Il y a quelques jours je suis tombé sur une traduction anglaise d’un important discours qu’Aude de Kerros a prononcé au mois de mars 2009 devant l’académie des beaux arts à Paris. Elle y parle du grand jeu de l’Art depuis la seconde guerre mondiale. Je vous recommande de lire ce texte. Alors j’espère que vous comprendrez que ce qui est dit au sujet de cette période s’applique aussi bien aux périodes antérieures et ceci au moins depuis Platon. Courbet a été emprisonné et s’est ensuite enfui hors de la France. Les enfants d’un village ont jeté des pierres à Cézanne, etc. Et je ne parle pas de tous les artistes inconnus qui sont morts de faim dans leurs mansardes.

Ce que je trouve particulièrement intéressant dans ce texte est qu’il insinue qu’il est entrain de se produire un grand changement dans le commerce de l’art. Il semblerait que l’éclatement de la bulle financière a perturbé les réseaux des good old boys qui ont eu la main sur les affaires artistiques à l’échelle globale. Il suggèrerait que l’art serait en train de se démocratiser. Imaginez cela, si cela arrivait et si vous êtes un artiste, vous ne seriez pas forcément un exclu dégénéré !

Version en anglais : The Artist as a Degenerate Outcast

L’autre jour ma femme a lu sur FriendFeed que : « une société sans fondement d’art solide est un parking ». Je ne connais pas celui ou celle qui a dit cela mais il a tapé dans le mille. J’ai commencé à écrire ce blog (premier article posté en avril 2007) avec cette idée centrale essentielle. Je veux dire, que diantre, que ce que nous pensons que l’ Art est aujourd’hui est ce que nous voulons baptiser comme tel : un tas de pierres, un chat mort, n’importe quoi.

Beaucoup d’experts en art disent que Marcel Duchamp est responsable de cet état des choses. Ils laissent entendre qu’exposer un urinoir et le signer « R. Mutt » a été le début de cette glissade vers le néant. C’est vraiment une simplification idiote. Mais il est vrai que comprendre ce qui s’est passé depuis les deux cent dernières années dans la culture européenne n’est pas facile. Je ne me considère pas comme étant un intellectuel mais je suis un penseur avec de bonnes intuitions. Cela m’a pris précisément 50 ans de lectures et de réflexions incessantes pour arriver à appréhender le problème. Ce blog est un essai de clarification. Durant ces cinquante années j’ai été l’esclave de cette recherche : la peinture en est le médium symbolique et l’écriture le moyen de compréhension.

Il est intrigant de constater que si l’on mesure l’intérêt pour mes articles à la mesure des visites qu’il obtient, la balance penche considérablement du côté des lecteurs de langue française. Les visiteurs de langue anglaise sont très peu nombreux. L’interprétation en est difficile (pour une part je vis en France). Mais il est certain que je suis très heureux d’avoir un fort suivi en langue française. Ayant dit cela, mon but n’est pas d’obtenir une très forte audience. J’essaye simplement d’apprendre à parler au sujet des choses que je commence à reconnaître comme étant d’une importance capitale. Comprendre en est l’enjeu. La gloire et le gain d’argent n’ont jamais été les buts des peintres honnêtes.

Version en anglais : Slave to Paint Part II

Ce que je veux dire demande à être caractérisé. J’ai vécu aux USA la plupart de ma vie. J’habite en France depuis 15 ans. Une des premières choses que j’aie observées chez les français est leur intérêt naturel ou inné pour l’art et la peinture. J’en étais sidéré. Ici, il y a beaucoup plus d’intérêt apparent pour la peinture qu’aux USA, beaucoup plus ! Remarquez l’adjectif: apparent ! L’intérêt, j’en ai peur, est quelque peu superficiel. J’en ai trouvé beaucoup qui connaissaient très peu de choses au sujet de l’histoire de l’art en France. Beaucoup n’étaient pas à l’aise avec les noms des grands peintres français récents et ces personnes étaient activement engagées dans les arts.

Regardons en arrière avant la première guerre mondiale. L’intégrité des peintres français était intacte. Vous aviez de l’innovation et en même temps une tradition. Après la guerre l’école de Paris est parvenue à s’instaurer comme étant le seul paradigme. Cela est devenu le seul jeu possible ( the only game in town ). Aujourd’hui ce courant se maintient en France bien qu’il y ait quelques fissures dans la façade. Son influence sur l’art dans le monde endehors de la France est proche de zéro. Quel radical retournement quand on y pense ! Qu’est-ce qui a pu se passer pour en arriver là ?

À partir de là les questions se multiplient rapidement et les réponses se font rares. En tous cas l’équilibre entre la poésie et l’expression littérale ( mot à mot ) était perdue.

Une peinture ne part pas d’une idée. Si c’est le cas je crois que l’artiste s’est égaré. Si une peinture doit être un succès elle doit devenir un objet : un travail d’art qui crée l’expérience. Les idées viennent en jeu en tant que résultat ou produit dérivé de cette expérience.

Si une peinture transmet une expérience immédiate, c’est qu’il y a un énorme trou dans la théorie moderniste qui prétend que la forme est le contenu. Il n’y a PAS de contenu, juste de l’expérience ! Après cette expérience initiale nous avons une idée de sa signification qui peut être ou ne pas être celle qui est apparue à l’artiste.

Qu’est-il arrivé ? Je pense qu’à la suite de l’horreur de la guerre, il s’est trouvé des experts qui ont établi l’équivalent moderne de l’Académie. En même temps le phénomène de professionnalisation de l’art et avec lui l’idéal de la personne créative comme étant une force morale de la société s’est perdu. Avant cela il y avait un respect certain pour quelqu’un qui dédiait sa vie à la production artistique. Ce qui a suivi est la perte de ce respect. Les diplômes et la reconnaissance « officielle » sont devenus nécessaires à la survie. Le respect n’est alors plus possible.

Revenons au sujet précédent : je disais que cet apparent intérêt était superficiel. Je crois qu’avec la professionnalisation des arts, vous perdez aussi quelque chose dans une société. Dans nos sociétés, la plupart d’entre nous sont éloignés à la fois de la lecture et de l’expérience de l’expression poétique. C’est quelque peu ironique que cette professionnalisation a été effectuée aux USA il y a 30 ou 40 ans seulement. Chacun peut deviner ce qui va se passer. Je suis encouragé par la vitalité que je vois dans quelques jeunes peintres. Est-ce qu’ils pourront continuer ? Cela n’est pas facile dans notre climat social actuel.

Qu’est-ce que je veux dire? Je pense que je suis d’une humeur provocante. Aujourd’hui l’artiste entre dans une situation économique précaire si il ou elle n’est pas établie. En même temps que cela il y a un grand, grand avertissement. Il existe a un potentiel sans précédent pour un vrai changement créatif au niveau de l’esthétique et par conséquent au niveau social.

Version en anglais : Poetic Integrity

Est-ce de la fleur bleue moralisante ? Je ne le pense pas. Depuis le « juste milieu » selon Louis Philippe la grande majorité de la communauté artistique est passé d’un zeitgeist au suivant dans le défilé interminable du progrès, le but étant toujours identique. Il s’agissait de la recherche sans fin du prochain grand bond en avant. Entre-temps la vision artistique est devenue de plus en plus floue. Il ne reste plus maintenant qu’une petite étincelle.

En dépit de toute notre sophistication moderne notre manière de penser est fondamentalement visuelle. Même avec toute l’information que nous avons bel et bien sous nos doigts l’image photographique reste un outil puissant de manipulation et de contrôle (voir le livre de Susan Sontag intitulé « Sur la photographie » qui va bientôt être réédité dans sa traduction française). Quelqu’un a dit (je pense qu’il s’agit de Moholo-Nagy) que l’illettré du futur serait celui qui ignorerait l’appareil photographique et le crayon. Ceci a été écrit il y a environ 70 ans. De nos jours il est absolument impératif que nous commencions à comprendre l’étique et la grammaire des images photographiques. Nous devons réagir à ce type de pollution avec un degré d’urgence plus grand que celui de notre réaction à une crise économique. Jusqu’à ce que nous, en tant qu’individu, ne remettions les choses en ordre, tout continuera comme avant.

Commencer à avoir une bonne idée de ce qu’est la vision artistique est une aide à la compréhension de l’éthique et de la grammaire photographique. En fait il n’y a pas d’autre moyen de l’aborder. L’artiste a toujours voulu jouer un rôle dans la société contemporaine : être de son temps. Mais en même temps une partie de lui ou d’elle-même vit dans l’éternel.

C’est là que se place la vision artistique. Comment a-t-il pu autrement vivre au travers des temps dans sa soupente et mourir de faim juste pour cela ? Longue vie à l’artiste en chacun de nous !

Version en anglais : Artistic Vision

L’observateur superficiel croit qu’il y a eu un progrès fantastique effectué dans le domaine artistique depuis la Réforme et ce que l’on appelle la Renaissance. Il est vrai qu’il y a eu des progrès mais en quelque sorte tout avait été déjà fait avant. Rechercher dans le passé chez les grecs pour se guider et s’inspirer n’était pas vraiment faire preuve d’originalité. La période intermédiaire s’appelle trop facilement le Moyen âge et même les Dark Ages en anglais. Donc n’était-ce qu’un mouvement de plus de retour aux valeurs de l’humanité ? Comme la plupart du temps, cela semble largement n’avoir été qu’un exercice consistant à renommer les choses différemment. C’est alors que l’on a inventé le mot culture et avec ce mot a commencé la campagne de propagande moderne des élites qui se continue de nos jours.

Oui, c’est vrai l’artiste et ceux qui s’intéressent au domaine artistique dansent au rythme d’un autre musicien, ou tout du moins ils l’ont fait jusqu’à une période récente. Je ne suis pas si sûr que cela soit totalement fini. Il semble que toute prétention s’est essoufflée. Personnellement, cela ne m’attriste pas. Cela doit être ainsi. Actuellement l’artiste peut vaquer à ses occupations. Il le peut tout au moins pour l’instant  car bientôt on lui dira de travailler, de consommer et de se taire.

Cette évaluation plutôt sombre de l’état des choses représente une petite partie des efforts que je fais pour relativiser l’état actuel des choses. (Tous ceux et celles qui n’ont pas remarqué les changements des tendances climatiques ont besoin de passer leur tête par la fenêtre). C’est comme quand vous faites une peinture : Il est alors nécessaire de reculer à une certaine distance afin de la voir plus clairement. J’espère que ceci aidera.

En toute franchise et pour l’art,
Denis.

Version en anglais : Work, Consume and Shut-Up