L’état d’esprit artistique qui consiste à être esclave de la beauté s’est développé dans la vacuité de cette situation politico-sociale que l’on peut qualifier de stérile. Oups ! Avec ce mot, je me montre enclin à la critique. Je voudrais pouvoir écrire clairement sans m’éloigner du sujet. Quand on commence à regarder ce genre de chose, il faut maintenir des idées claires. On ne peut vraiment comprendre que si l’on se garde de tout jugement et que l’on choisisse les mots avec précaution. Ceci étant dit, il serait bon de se demander pourquoi l’humanité trouve si difficile de coexister en paix les uns avec les autres. L’histoire sociale dans ce domaine ne présente pas une image très belle à voir.

Le rapport entre les idéologies, les groupes sociaux, les religions, la pensée philosophique dominante et la personne créative que nous pouvons observer devient pertinente si on la considère objectivement. Quand on parle « d’individu créatif », il est bon de se rappeler que nous n’avions pas grand-chose qui se rapprochait de l’art tel que nous le connaissons aujourd’hui avant guère plus que les deux cent dernières années. Nous avons besoin de comprendre les traces (écrits) que nous possédons et ce qui a précédé cet écrit (l’histoire sociale c’est à dire son contexte). Espérons que cela puisse être fait simplement. C’est sans doute simple mais pas si facile que l’on pourrait le croire.

Version en anglais : Social and Oil Painting Connection

Il y a des idées pour lesquelles nous devons nous attacher et nous devons les remâcher exactement comme un chien avec son os avec beaucoup de patience et d’attention. En définitive, il n’est pas possible de faire autrement quand il s’agit de questions subtiles. Il n’y a pas de résultat gratuit. Patience, persévérance, encore et encore jusqu’à ce que la solution commence à se mettre en place.

J’ai entendu l’autre jour un monologue intéressant au cours d’un film. C’était un discours sur le sujet de la compétition et de la réussite. Le personnage disait qu’il y avait de la férocité et du charnel dans la compétition. Il continuait avec le fait de principe suivant : l’importance de trouver l’équilibre entre l’intelligence humaine et le zèle animal. Bingo. Du point de vue de l’auteur, le secret tenait dans la recherche de cet équilibre. Définir le délai avait aussi son importance mais rien n’était dit au sujet de la compréhension de la relation existante entre la raison et la passion.

On commence à voir clairement quand met cette relation dans une juste perspective. Un peintre ne peint pas des choses. Il peint des relations même quand il n’est pas représentatif. On ne peut pas prendre un raccourci en suivant la recette de quelqu’un d’autre. Et de plus comme le disait Picasso, la pire espèce de plagiat consiste à se plagier soi-même.

La notion d’élégance dont parlait Galilée, telle que je la comprends, était une faculté résultante de notre compréhension de la relation qui existe entre le monde naturel et l’expérience que nous en avons. L’ordre et la simplicité viennent de là. Cela est fortement relié avec la compréhension de la peinture ou de toute autre domaine créatif

Appréciez les grandes idées avant de les « twitter » au loin.

Version en anglais : Elegance

La règle qui affirme qu’il n’y a pas de règle est une incitation vers ce que certains appellent l’approche Zen : le n’importe quand, n’importe quoi devient en quelque sorte une étique ou son contraire. En tant que peintres il me semble que l’on a du mal à appliquer cette « beat » philosophie (c-à-d qui n’est pas du Zen classique) d’une façon rigide. Bien compris, le point de vue Zen donne la liberté de « penser » en terme de ce qui est bon ou mauvais dans un domaine limité comme celui de la peinture et ceci même si le monde dans sa totalité est considéré comme étant au-delà du bien et du mal quand il n’est pas placé dans un cadre. Sans une forme quelconque d’intellectualisation l’aboutissement de toute peinture est aussi précaire qu’un jeté de dés.

Confucius a dit : « L’homme supérieur comprend ce qui est bien, l’homme inférieur comprend ce qui se vend. »

Les critères actuels en constant changement ne laissent guère de place aux remèdes miracles. Les choses ont été difficiles pour les peintres depuis quelque temps et elles continueront de l’être encore dans ce que l’on peut voir du futur. Cependant tout n’est pas complètement sombre. Pensez aux conditions défavorables que les impressionnistes ont eu à faire face : exil hors de France pour leur sécurité, destruction de peintures, conditions financières extrêmes, etc.

En France il semble que les galeries ont peur de l’internet. Cela ne m’a pas été dit de but en blanc mais j’ai observé leurs réactions quand j’ai abordé le sujet. Cette réaction est facile à comprendre quand on sait combien leur survie est difficile.

Je continue à avoir l’espoir de trouver cette unique galerie avec laquelle je voudrai m’associer. Je crois qu’il est mieux de travailler avec une seule galerie. Il est également important que le rapport soit bon sinon cela ne peut pas marcher.

Version en anglais : Rules for Painters

Avec l’explosion d’images visuelles des cent cinquante dernières années, il semble que nos cerveaux se soient déplacés depuis notre cortex vers les récepteurs de nos yeux. Que vous l’aimiez ou pas la réalité holographique dans laquelle nous vivons est une création visuelle. Depuis le berceau jusqu’à la tombe notre éducation visuelle nous séduit tant que nous ne pouvons pas vivre sans elle : l’esprit du temps a la vie longue !

Je peux me rappeler clairement l’endroit et l’heure où, très jeune, cela devint une évidence. Ceci survint dans des circonstances très intimes et personnelles. Cela a changé ma vie et je n’ai plus été le même ensuite. J’étais âgé de treize ans et quatre mois. Certains coins de Provence autour du mont Ventoux suscitent en moi les émotions associées à cette réalisation. C’est une situation mentale particulièrement confortable. Au fur et à mesure que j’en saisis le sens plus profondément, je deviens encore plus à l’aise. C’est ainsi que cela se passe.

Excusez ma façon écliptique d’exprimer ces pensées, c’est dommage que dans ce domaine nos limites d’expression verbale deviennent plus aiguës. Je me rapproche lentement, très lentement, de ces sensations visuelles. Les exprimer au niveau de ma peinture demandera sans aucun doute beaucoup de travail et certainement la grâce des puissances aux pouvoirs. S’il vous plaît, souhaitez moi bonne chance.

Chaque année, ma femme Françoise et moi nous dirigeons vers le sud. Les trois dernières années, nous allions dans le midi de Picasso. À l’aller comme au retour, nous nous arrêtions pour un ou deux jours à proximité du mont Ventoux. Cette année nous y avons passé trois semaines. Bien que le temps aurait pu être plus coopératif, je suis revenu avec beaucoup de petites peintures, de croquis et de photographies qui m’aideront à développer quelques thèmes que j’avais commencé à travailler. J’ai découvert qu’il me fallait beaucoup de temps avant que je ne fasse du bon travail au sujet d’un endroit en particulier. (C’est comme cela pour moi mais cela sera matière pour une autre fois.) Dans les semaines qui viennent je vous montrerai quelques unes de ces peintures. Celle que je vous présente là est très petite. J’ai constaté qu’un bon moyen d’étendre sa créativité est de travailler dans un format qui est beaucoup plus grand ou beaucoup plus petit que celui qui vous met à l’aise. Cela vous force à regarder et à travailler différemment. Pour moi, il s’agit de trouver cette étroite bordure entre la réflexion et l’expérience. Au fur et à mesure que nous comprenons mieux la relation entre les choses, nous réalisons que notre peinture a très peu à voir avec ces choses. Le tout est dans la relation.

Version en anglais : Provence Paintings

«Sans titre», Golden Open acrylique sur contre-collé non dégradable, 30cm x 24cm, 2009

«Sans titre», Golden Open acrylique sur contre-collé non dégradable, 22cm x 16cm, 2009

«Sans titre», huile sur toile, 27cm x 22cm, 2008

«Sans titre», huile sur toile, 27cm x 22cm, 2008

À cause d’une interruption dans ma peinture (due à des travaux dans la maison) j’ai eu du temps pour réfléchir. Les articles passés ont, je le pense, traité du sujet de l’intégrité artistique par la négative. Comme pour toutes les questions métaphysiques la réponse est faite au moyen de ce qu’elle n’est pas. Énoncer une réponse en termes positifs oblige à recourir à l’histoire de l’Histoire. Parfois je contourne le problème en disant que ma peinture est réalisée dans impressionnisme personnalisé. Comme le sont tous les « ismes » l’analyse de cette phrase ne dit absolument rien. C’est du vent comme d’ailleurs la plupart de ce qui est dit et écrit au sujet de l’art.

Il y a une immense zone grise considérée comme un no man’s land entre ce que Baudelaire nommait sténographie et la peinture abstraite. Elle a été très peu explorée car elle est vue comme étant invivable. Ce triste état des choses a deux causes. La première vient de l’opposition que la culture judéo-chrétienne impose entre les affaires de l’esprit et le domaine de la nature. La deuxième est que l’on ne peut pas la catégoriser proprement. Comment pouvez vous expliquer ce qui n’est ni Romantique ni Classique mais qui d’une certaine façon relève des deux. On a là une façon de penser au sujet de l’art qui n’est pas simplement originale et nouvelle juste pour être originale et nouvelle. Il me semble que durant les 150 dernières années il y a eu des artistes qui ont refusé de se couler dans ces moules confortables. Ils sont comme des indiens encerclant les chariots. Ils ne tiennent pas le coup.

J’ai souvent du mal à comprendre l’impulsion particulière que j’ai vers une peinture en particulier. Puisque ce que je peins n’est en général ni une image ni une idée mais un élan intuitif ou une sensation et que ce n’est pas un processus analytique. C’est un acheminement latéral de distillation lente qui se place hors du temps et de l’effort vers une réponse « spontanée » : un accident spontané survient.

Je n’ai jamais hésité à montrer des travaux en cours ou du travail dont je ne suis pas tout à fait sûr qu’il soit d’une qualité suffisante. Est-ce une question d’intégrité ? Peut-être ! Cela peut en fait être plus honnête et transparent de montrer nos méthodes de travail et nos recherches. Cela a certainement plus de valeur pour ceux qui sont aussi impliqués dans ce processus. Nous sommes tous des éternels étudiants.

Simplifier, simplifier, simplifier !
Combien de fois a-t-on besoin de réapprendre cette leçon ?
Le croquis de ces peintures fut fait en 2005 près de Carpentras. Il a inspiré récemment mes deux dernières peintures réalisées à l’acrylique Golden Open. Les deux peintures dont les images suivent ont été peintes à l’huile il y a environ un an. Je ne les considère pas comme des peintures finies. Ce ne sont que de rapides ébauches.

Version en anglais : Personnaly Modified Impressionism

Comme promis voilà une photographie de la peinture de la semaine dernière après l’avoir retravaillée. Je ne suis toujours pas entièrement content du résultat. Cela arrive parfois. Cela dépend de mon humeur.

En réfléchissant à la difficulté que j’ai eue avec cette peinture j’ai réalisé que j’avais changé une partie de ma méthode de travail. Pour débuter la peinture j’ai utilisé un gros pinceau à poils de pure soie. Ce pinceau a apporté plus d’eau dans la peinture Golden Open. Il semble que l’acrylique Golden Open soit très sensible à l’ajout d’eau. Si vous deviez essayer de travailler cette peinture acrylique avec une technique d’aquarelle je ne suis pas sûr que cela marcherait vraiment bien. En tout cas je préfère travailler vite et directement même si je dois avoir plus d’une séance de travail.

Version en anglais : Another Painting

Ces deux derniers jours je me suis préparé pour un voyage en Provence. Chaque année, en Février ou Mars, nous nous dirigeons vers la Provence et la côte d’azur à condition que le temps le permette. Nous partirons dès que nous verrons venir une période de beau temps.

L’objet de mon dernier projet a été une ancienne boîte de table à un chevalet Lefranc-Bourgeois que j’ai déplacée autour du monde depuis près de 30 ans. Il y a quelques années je l’ai transformée de manière à ce qu’elle s’adapte sur un trépied d’appareil photo. Vous pouvez le voir sur l’image. Il est relativement léger et se déplie de telle façon que les yeux soient à hauteur des toiles (tailles 8 à 20). La boîte par elle-même ne pèse pas beaucoup si on la compare avec mon chevalet français (une boîte sur pieds en bois rétractables) et elle peut contenir plus de choses. J’ai retravaillé la partie chevalet pour qu’elle marche à la perfection. Le trépied a un déclencheur rapide qui est attaché en dessous de la boîte. Cela me prend à peu près 20 secondes pour l’installer et être prêt à peindre. En bref, c’est une boîte parfaite. Je l’adore.

Version en anglais : The art of loving the tools

Les deux jours précédents j’ai passé la plupart du temps à travailler sur des images avec Adobe photoshop (et Adobe Lightroom). Au cours des ans, j’ai eu mes meilleurs résultats pour la photographie des peintures en les photographiant directement à la lumière solaire. Pour moi le plus simple est le meilleur. Dans le passé j’ai été le fier possesseur d’un flash électronique avec parapluie réflecteur. Si vous aimez jouer avec des objets de cette sorte, cela peut-être votre tasse de thé. Cependant le principal inconvénient est la dépendance que l’on a alors vis-à-vis de la lumière du soleil et celui-ci refuse de coopérer pour une grande partie de l’année. Plus, la lumière solaire change évidemment de qualité (de température) au cours du jour et ensuite il fait nuit. Et je ne parle pas de la pluie et du vent ! Le plus souvent, la lumière n’est pas correcte au moment où l’on est enfin prêt à photographier une peinture

C’est là que photoshop entre dans le jeu. L’aisance de la photographie digitale ne peut pas faire éviter la complexité de photoshop. Pour rendre correctement les couleurs il faut suivre une courbe d’apprentissage assez dure pour savoir traiter les photos avec photoshop.

La plupart des peintres, moi le premier, ont des difficultés avec les choses hautement techniques de cette sorte. Cependant la liberté de pouvoir prendre des photos et de placer ainsi rapidement votre travail sur un site web fait en sorte que j’estime tous ces efforts largement valables.

La petite peinture ci-dessus a été faite après les difficultés que j’ai eues avec la plus grande sur toile le jour d’avant. J’ai aussi beaucoup bataillé avec elle.

Version en anglais : Photographing the painting

Comme je l’ai indiqué dans les articles récents au sujet de l’acrylique Golden Open, ma bataille avec l’apprentissage de l’acrylique ne date pas d’hier. Il y a environ 10 ans, j’avais décidé de consacrer une année à l’acrylique. Pendant une année, je ne pendrai qu’à l’acrylique. Hé bien, ce programme n’a pas résisté plus de deux mois autant que je m’en souvienne. J’avais beaucoup appris mais cela n’était pas suffisant pour que je devienne à l’aise avec l’acrylique. Le mot confortable est utilisé ici avec une signification particulière. Pour moi il y a toujours un élément de lutte en peinture. Vous pouvez voir ainsi le problème : si c’était facile tout le monde le ferait ! Je pense que je peine avec le matériel sans doute beaucoup plus que la plupart.

Le travail d’apprentissage de l’acrylique Golden Open serait beaucoup plus facile si l’on s’arrêtait de la considérer comme étant de l’acrylique (bien que cela en soit une). L’acrylique est ces dernières années devenue vraiment versatile à l’intérieur de ses limites. Avec des additifs de retard de la vitesse de séchage, vous pouviez peindre des larges peintures sur toile. Cependant il était impossible de dupliquer un grand nombre des techniques de la peinture à l’huile parce que l’acrylique séchait toujours trop vite. Quand on essayait les techniques de l’aquarelle, les bordures posaient un problème. Une technique de couche était possible mais une méthode de peinture directe et spontanée, comme celle de l’aquarelle, n’était plus un choix possible.

Avec l’acrylique Golden Open, les techniques de la peinture à l’huile peuvent être dupliquées, l’avantage étant que vous n’avez pas à attendre de longues périodes de temps avant que la peinture ne soit prête. C’est là principalement ce qui en fait un médium parfaitement idéal pour la peinture en plein air. La plus grande partie du travail consiste à obtenir une idée claire du rendu que vous voulez. Au cours de mon expérience limitée d’enseignement de le peinture, je me suis aperçu que la plupart d’entre eux sont si concentrés sur les résultats à court terme qu’ils en deviennent stressés et par là je veux dire qu’il est important que vous ayez une idée claire de ce que vous voulez. Créateur d’anxiété ? J’espère bien que non. J’espère que vous pouvez vous détendre et vous réjouir du processus d’apprentissage. Si l’on continue d’avoir à se battre, c’est bien aussi. C’est une partie du processus. J’ai écrit un article sur l’apprentissage de l’aquarelle si ce peut-être utile.

La peinture ci-dessus est pour moi du côté lutte de la balance. J’ai pris une longue pause après avoir mis en place la première couche : bien trop long. Je l’ai signée mais je ne crois pas qu’elle soit terminée. Je vais la laisser sécher un peu et voir alors ce que je peux en faire. Je la photographierai et la posterai alors.

Version en anglais : Learning to paint Golden Open Acylic

Mon atelier se répartit sur 3 étages. Un coin de la cuisine a une lucarne face au nord et un accès à l’eau. C’est là que je peins les aquarelles et aussi, maintenant, les acryliques Golden Open. Le rez-de-chaussée est consacré à la peinture à l’huile, à la vitrine de mon travail et c’est aussi la pièce de réception. Le second étage sert d’entrepôt et c’est aussi là que je j’encadre.

Ma boîte à peintures est organisée en ce moment pour les acryliques Golden Open. Puisque je travaille avec un petit nombre de pigments, je les choisis à partir d’un petit assortiment au fur et à mesure de mes besoins. Cela permet de perdre moins de peinture et de travailler avec une peinture qui est toujours suffisamment fraîche. L’astuce est dans la précision de l’estimation de la quantité de peinture dont vous avez besoin au moment où vous en avez besoin. Apprendre à faire cela efficacement demande un peu d’entraînement mais je pense que cela en vaut la peine.

Version en anglais : My Painting Space: The Studio Clean